首先，想让您用高解析度听一下自己经常演奏的“探戈之父”阿斯托尔•皮亚佐拉的曲子。感觉如何？

太美妙了。相比CD，听起来感觉有很大的不同。这张专辑的音质说不上好，但用高解析度来一听，氛围一下子就变了。

那您再来听听德沃夏克《Cello Concerto》的高解析度音源。

哦！立体感一下就凸显出来了。这张唱片本来就很出名，这样一听就更加悦耳了。我都不想把耳机拿下来了（笑）。交响乐队和高解析度真是绝配。就像坐在演奏会的坐席上俯瞰一样，好像能看到舞台上乐器间的距离和层次。我还想听一下非常喜爱的勃拉姆斯的《交响曲》。

与之前的16bit的音频相比，有什么不同？

最显著的不同，是压缩音源被削减掉的超高保真的表现吧。这种音频虽然不在可听范围内，但是如果有保留，音源质量会有所提升。
有意思的是，据说用扬声器来听模拟信号时的频率，感觉就像是踏在枯叶或雪地之上，非常舒服，它们有着相同的要素。这种超高保真的强大性能，我们每天都能感受得到。混音和后期制作结束后，会进行采样，拷贝的时候会嘱咐一下“用这个工厂的几号机”。如果不那么做，就感觉没法安心。制作是一项拼命的工作哦。

现在有这样一种趋势，为了迎合一般用户，会将专业人士能感受到的高解析度音源用于流行音乐，您觉得怎样？

我觉得很高兴。转成CD的话，就不会再去烦心和音源相关的东西。而且，我从小学开始就听古典音乐唱片，上了高中以后，模拟信号都转制成了CD，我就又买了一次。如果高解析度普及的话，我可能还会再买一次。 当然，MP3那类的压缩音乐也有可取之处。但在我们的音乐中，还是希望能有演奏时的氛围感。优秀音乐和垃圾音乐，它们在发布方式等各个方面都呈两极化发展的趋势。我的“HATS唱片公司”也在考虑慢慢地采用高解析度。

您在录音的时候，特别花心思的地方有哪些？

乐器的位置关系非常重要。录制小提琴的时候，第一个问题就是麦克风应该摆在什么位置。比如，小号的话就是号嘴，小提琴则比较复杂，它是通过从琴弦到面板、侧板、音柱、背板，然后还有小提琴的共鸣箱……等等各种意想不到的部位发出声音，而不一定是f孔。虽然已经演奏了20多年，最近才发现有些意想不到的地方能帮助录制更好的音乐。
四重奏的时候，会按照乐器各自的距离感分别对声音进行录制。需要怎样的声音，只存在于我们的脑海中。在录音棚里我们用Pro Tools，通过波形就能看到音高和节奏的偏差，但我都会告诫成员们“别看，去听”。我们只能不断地去跟随新技术，但是也希望去追求真正的声音，而不要被眼睛看到的信息所干扰。

您在夏天发布了新作《Etupirka～Best Acoustic～》。这是一部怎样的作品呢？

这是一部将迄今为止的曲子以原声编排的作品。演奏分成两部分，一部分是由中提琴和大提琴组成的弦乐四重奏，另一部分由低音大提琴、原声钢琴、我的小提琴，这样以7人组成的乐队为基础，在我最喜爱的“19世纪浪漫派”古典乐音中加入旋律，再次对“热情大陆”等乐曲进行了改编。
录音的时候也尽量采用纯演奏的录音棚录制方式进行。希望能让听众感觉到置身于演奏会现场的感觉。

对于您而言，音乐在生活中起着什么样的作用呢？

音乐家和非音乐家之间的差别，在于音乐家不管是醒着，还是睡着，音乐始终在脑海里。有时也会有这样情况：身边放着别人的曲子，刚想着“咦，这首曲子没听过哦”，再仔细一想，原来“这首曲子”是我脑袋里创作的东西。脑袋里会响起其他的曲调，而不是当时在播放的曲子。
在音乐会上演奏时，从来没想过要把音乐“传达出去”。即使在走出会场的那一刻，立即进行模式切换，比如想着“要不去吃碗拉面吧？”。但一回到家钻进被窝，还是会恍恍惚惚地想起音乐会的事。我觉得从那一刻起，才真正开始从事“音乐工作”。

是说让大脑产生共鸣吗？

没错，因为大脑能输入庞大的信息，也能将其抽取出来。比如，要求现在想一下约翰列侬的“Imagine”，每个人的脑子里都会响起那首曲子吧，即便节奏和调子会有差异。就像刚才说过的，有些音域，耳朵听不到，但是大脑会真实地感受到那种愉悦。我对那种“音乐”抱有向往和憧憬。